Archivo de la categoría: Rare Musik

Rock 90ero underground

¿Qué onda bandita alternativa, cómo andan? Espero que bien. Yo por mi parte estoy bien, con algo de weba como siempre, pero nada fuera de lo normal.

En esta ocasión les traigo un post que seguro les gustará. Se trata de una recomendación de bandas de rock alternativo (lo que sea que eso signifique) de los 90s (y una que otra de los 80s)

Comencemos aclarando un poco eso de “rock alternativo” ¿Qué madres es eso, se preguntarán?

Pues es un subgénero del rock el cual se encargaba (o se encarga, según los nostálgicos) de encasillar a diferentes bandas de rock que tienen un sonido (en aquel entonces según los críticos, inclasificable) el cual iba desde el indie pop underground hasta los sonidos avant-garde que ya casi llegaban al noise pasando obviamente por la camada grunge que abanderó Cobain pero que no eran los únicos en ese estilo.

Comencemos pues con la recomendación de bandas de rock alternativo underground:

Beat Happening.

Es una banda gringa de Indie Pop o Twee Pop formada en 1982 en Olympia, Washington. Calvin Johnson, Heather Lewis y Bret Lunsford han sido los miembros continuos en la banda. Beat Happening fueron primeramente los líderes del movimiento americano de indie pop y lo-fi. Se dieron a notar por su uso casi primitivo de técnicas de grabación, indiferencia por los aspectos técnicos de la comunidad musical y canciones con temática pueril o de naturaleza tímida. Calvin Johnson es también dueño y creador de la disquera independiente K Records.

El disco que les quiero recomendar es el segundo de la banda, se llama Jamboree; nacido en 1988 y es el que (según yo) mejor ejemplifica lo antes dicho sobre la forma de hacer música de esta banda.

De este disco la canción que mas destaca (para mi) es el tercer track “Indian Summer” el cual lleva un sonido casi hipnótico tanto en voz como en el minimalismo de los sonidos que usan.

Mudhoney.

Mítica banda pionera del movimiento Grunge, nacida de las cenizas de otra banda pionera del género como fue Green River banda en la cual compartian créditos con Stone Gossard y Jeff Ament que luego formarían otra banda grunge de las pocas (o casi la única más bien) que queda de ese movimiento meramente 90ero. Nos referimos obviamente a: Pearl Jam. Steve Turner, Mark Arm junto al baterista y bajista Dan Patters y Matt Lukin respectivamente forman Mudhoney y en 1988 sacan su EP debut Superfuzz Bigmuff (haciendo con esto una referencia a los pedales para distorcionar la guitarra y que le dan ese toque tan característico al sonido grunge) el cual contiene la que sea, quizá la rola más famosa de esta mítica banda: Touch me, I’m sick.

Este disco fue una de las influencias para el sonido característico de Nirvana. Aunque Mudhoney siempre se han caracterizado por tener un sonido más crudo que el que tuvo Nirvana.

Melvins.

Banda originaria de Seattle de grunge y sludge metal formada en el año 1983 en Aberdeen, Washington por Buzz Osborne (voz y guitarra) quien junto a Dale Crover, han sido los miembros frecuentes de esta mítica y pionera agrupación tan influyente en bandas como Nirvana y Mudhoney y para el Sonido Seattle (o grunge como mundialmente se le conoce).

Cuenta la leyenda que el nombre de la banda se lo pusieron porque cuando Buzz trabajaba de Oficinista (y vándalo) en Montesano, Washington. Melvin era el tipo más odiado que trabajaba ahí y entonces los miembros de la banda propusieron aquel nombre como el más ridículo (y el más apropiado).

El sonido de Melvins ha sido influenciado por Black Flag (por el lado punk) y Black Sabbath (por el lado heavy y opresivo). Su aproximación a favor del sludge metal, el particular sentido del humor y lo experimentado de su música le han jugado una mala difusión comercial, pero ese sonido lento y opresivo es el que influyó fuertemente sobre la música grunge, especialmente en Nirvana y en muchos otros grupos de Seattle. Uno de sus admiradores, Kurt Cobain, sin embargo, tendió a usar música más convencional mezclada con este sonido.

Houdini fue un album de 1993. Se dice que Kurt Cobain tocó la guitarra (diestra, siendo Cobain zurdo) en la rola Sky Pup y añadió percusiones en la rola final Spread Eagle Beagle. En 2005 el álbum fue tocado entero en la serie All Tomorrow’s Parties-curated Don’t Look Back y en 2006 fue lanzada otra actuación en vivo del álbum llamada: A Live History of Gluttony and Lust. Sobra decir que este es considerado como el mejor disco de la banda.

TAD.

Fue una banda de grunge originaria de Seattle, Washington, EE.UU., siendo una de las precursoras en el género ayudando a conformar el posterior sonido de Seattle desde una perspectiva cercana al heavy metal de los ’70.

De wikipedia:

La banda fue fundada por Tad Doyle, de nombre real Thomas Doyle, como vocalista y guitarrista (anteriormente había estado trabajando en una carnicería) en 1988. A él se unieron el bajista Kurt Danielson (también miembro fundador), el batería Steve Wied (ex-Skin Yard) y el guitarrista Gary Thorstensen para conformar la alineación original. Doyle había sido anteriormente guitarrista en bandas como Bundle of Hiss o H-Hour.

Al poco de completar su formación, Tad firmó un contrato con el sello Sub Pop, compañía pionera en la comercialización del grunge, para editar el disco debut God’s Balls a comienzos de 1989, producido por Jack Endino. Un año después publicarían su primer EP, titulado Salt Lick, gracias al cual consiguen ser teloneros de Nirvana, aún en periodo de expansión de oyentes. Después de la gira con ellos, Tad regresa a Seattle para grabar y editar su segundo LP, que saldría a la luz en 1991 bajo el nombre de 8-Way Santa. El álbum fue producido por Butch Vig, quien por aquel entonces se encontraba dando los toques finales a Nevermind de Nirvana, y poseía canciones más orientadas hacia el pop, alejándose de las raíces basadas en el heavy setentero. Dicho disco contiene el tema más conocido y aclamado de la banda, Jack Pepsi, por el cual la conocida marca de refrescos interpuso una demanda judicial debido al diseño de la portada del single, en el que se mostraba una lata de Pepsi con el logotipo de Tad. Después de una corta aparición en la película Singles, el grupo obtiene una oferta de contrato en el sello Giant Records, en el que la banda editaría en disco Inhaler, no sin antes haber sufrido cambios en su formación: Steve Wied deja la banda, y en sustitución entra Rey Washam primero y Josh Sinder después, quien grabaría Inhaler. Este disco fue el más exitoso comercial y críticamente hablando, llegando a abrir para Soundgarden en su multitudinaria gira Superunknown. Sin embargo, Giant Records suspende el contrato a la banda después de ver un póster promocional de Inhaler en el que aparecía Bill Clinton fumando un porro.

Para intentar arreglar el polémico desaguisado, Tad consigue un contrato en Futurist Records para editar un disco en directo titulado Live Alien Broadcasts. Después de la edición del disco, el grupo consigue pasarse a la compañía East-West Records, subsidiaria de Elektra Records, para publicar allí su quinto disco, Infrared Riding Hood. El álbum apenas consiguió alguna venta debido a la escasa promoción del trabajo por parte del sello. Después de la edición del disco, la banda gira por los EE.UU. durante algo menos de un año, hasta que Josh Sinder decide dejar la formación para comenzar su propio proyecto, Hot Rod Lunatics. Como sustituto se introdujo Mike Mongrain, proveniente del grupo Foil, quien estuvo en la banda hasta su desaparición en 1999.

Después de la ruptura de Tad, Doyle forma el grupo Hog Molly, el cual no tuvo mucha resonancia, grabando un único disco titulado Kung-Fu Cocktail Grip. Actualmente se encuentra en el grupo Hoof, que no ha grabado aún ningún disco. Por su parte, Kurt Danielson se une a VALIS, banda formada por miembros de Screaming Trees y Mudhoney. Después de su marcha de Tad y de cancelar el proyecto Hot Rod Lunatics, Josh Sinder se une primero a The Insurgence y después a Hellbound for Glory, grupo en el que milita en la actualidad.

Recientemente se ha anunciado la edición de un documental de la banda, que será publicado a comienzos de 2008.

La rola que se recomienda de este disco es la de Jack Pepsi, pero yo los invito a que le pongan más atención a la rolita llamada Stumbling Man, la cual, según yo es la mejor rola del disco (y quizá de la banda). Por cierto, que este EP salió bajo el mítico sello grunge: Sub Pop.

Mark Lanegan.

Nacido el 25 de noviembre de 1964 en Ellensburg, Washington es un compositor y cantante conocido principalmente por su considerable éxito como solista y por haber formado parte de grupos como Screaming Trees y colaborar en grupos como Queens of the Stone Age o Mad Season.

En el año 1985, Lanegan decide formar una banda junto con los hermanos Conner, llamada Screaming Trees por el nombre de un pedal de distorsión para guitarra eléctrica. Con esta banda grabó 9 trabajos incluyendo EP y LP’s entre 1985 y 1996. El estilo del grupo se centró en el grunge, fenómeno de moda en Seattle, ciudad vecina de Ellensburg donde estalló tal fenómeno. A pesar de ser considerados una de las bandas pioneras de dicho estilo, la banda no alcanzó el mismo éxito que otras formaciones semejantes como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden o Alice In Chains.

Lanegan empieza con su carrera en solitario, debutando con The Winding Sheet mediante la en aquel momento famosa discográfica Sub Pop. El disco tenía un estilo que tiraba más al blues que sus trabajos con Screaming Trees, invitando para su grabación a Kurt Cobain y Krist Novoselic de Nirvana y a Mark Pickerel, por aquel entonces batería de los Trees. A pesar del gran número de canciones grabadas para el disco, sólo la versión de Leadbelly, Where Did You Sleep Last Night alcanzó la fama, llegando a interpretarla Cobain en su disco Unplugged. En el resto de canciones, los instrumentos están tocados por Pickerel (batería), Jack Endino (bajo) y Mike Johnson (guitarra y componente más tarde de Dinosaur Jr). Otra de las rolitas recomendables de este disco es la de Down in the Dark (en la que se dice que la cantò Cobain al igual que en la de Where Did…) y tambièn la rolita de Ugly Sunday.

My Bloody Valentine.

De Wikipedia:

Es una banda de rock alternativo de estilo shoegazing, influenciados por el post-punk, el dream pop y el rock alternativo de bandas como Sonic Youth, The Velvet Underground, The Jesus and Mary Chain y Cocteau Twins, quedaron establecidos como una leyenda del rock independiente, siendo inspiración e influencia para bandas contemporáneas importantes.

Pese a haber tenido una corta vida (1985-1991), marcaron fuertes tendencias y toda una forma de hacer música que se fundamenta en guitarras distorsionadas y semi-ambientales, con voces femeninas frágiles y melódicas contrapuestas a ambientes extremadamente densos. Por eso, su guitarrista, Kevin Shields, es también una figura de la época, y es padre del modelo que siguen otras bandas similares como Ride, Lush o Slowdive.

La creación de Loveless, no fue como la de un disco más, ya que las 200.000 libras que se gastaron (comparable con el Nevermind de Nirvana) y la perfección que quería lograr Shields en su sonido, (se habla que el disco trabajaron alrededor de 14 ingenieros en sonido y que la banda se sometió a un arduo trabajo de grabación) dejaría consecuencias como la quiebra de su disquera y la posterior separación del grupo.

Mr. Bungle.

De Wikipedia:

Fue un grupo de música experimental estadounidense. La banda se formó en 1985, cuando sus integrantes aún se encontraban en la secundaria, y fue nombrada luego de una película educacional para niños. Mr. Bungle publicó cuatro demos antes de firmar con Warner Bros. Records, con la que lanzaron tres álbumes de estudio entre 1991 y 1999. La banda estuvo de gira de promoción de su último disco en 2000, pero en 2004 se separaron oficialmente. A pesar de que Mr. Bungle pasó por varios cambios en sus comienzos, sus miembros más durables fueron el vocalista Mike Patton, el guitarrista Trey Spruance, el bajista Trevor Dunn y el baterista Danny Heifetz.

Mr. Bungle fue conocido por sus distintivos rasgos musicales, pasando por varios estilos en una sola canción. Muchas de sus canciones tenían una estructura poco convencional, utilizando una amplia gama de instrumentos y muestras. En algunos shows en vivo, sus integrantes aparecían disfrazados, y a menudo interpretaban varios covers. Durante la década de 1990, se intensificaron una serie de disputas con el vocalista de Red Hot Chili Peppers Anthony Kiedis, donde Kiedis sacó a Mr. Bungle de una serie de grandes festivales de música en Europa y Australia.

A pesar de firmar con un importante sello discográfico, la banda nunca ha tenido un éxito comercial masivo, y sólo lanzó un videoclip. Sin embargo, Mr. Bungle fue aclamado por la crítica, Allmusic se refirió a ellos como “están entre los instrumentalistas más talentosos”.

Su álbum debut, Mr. Bungle, fue producido por John Zorn y fue lanzado el 13 de agosto de 1991. El disco es una mezcla de funk, ska, música de circo, jazz y hardcore punk, sin embargo, fue descrito como “funk metal” por los críticos musicales. El disco tuvo críticas positivas, Steve Huey escribió en Allmusic “Mr. Bungle es vertiginoso y desconcertante, conciertos esquizofrénicos a través de casi cualquier estilo que el grupo piensa, saltando de un género a otro, sin rima o razón aparente, incluso haciéndolo varias veces en una canción”. También comentó que “está fuera de foco” y que es “un disco no muy accesible”.

La primera canción fue llamada originalmente “Travolta”, sin embargo, el actor John Travolta en desacuerdo con este título, amenazó con emprender acciones legales. El nombre finalmente fue cambiado a “Quote Unquote”; la banda creó un video musical de esta canción, pero MTV se negó a emitir el video, debido a las imágenes de los cuerpos colgando de ganchos de carne. El álbum vendió bien a pesar de esto y de la falta de difusión radial. Después del lanzamiento, la banda giró por todo Norteamérica.

Fantômas.

Grupo de Avant-garde metal.

De Wikipedia:

Fantômas nació de la maqueta que hizo Mike Patton llamada Diabolik en 1998.

En 1999 salió su primer disco, conocido como Amenaza Al Mundo, aunque tiene el nombre del grupo. Este sorprendente CD se caracteriza por la rapidez de las canciones de más o menos 1 minuto de duración, y por el hecho de que su cantante no pronuncia ni una sola palabra de ningún idioma.

Guitarras frenéticas, bajo con mucho ritmo y batería excelente son la mezcla que compone este grupo, aderezado con los sonidos experimentales de Mike Patton y su voz.

Mike escogió la portada del disco de un viejo cartel promocional de una antigua película mexicana de los años ’60 llamada Fantomas Amenaza Al Mundo, que por cierto fue muy costosa, por la tinta especial que Mike mandó hacer. La música es asimilada como un cómic, rápida y directa, que cambia frenéticamente .Las canciones, divididas en páginas (que es como están descritas las canciones en el primer)se pasan solas.

Fantômas pronto tuvo llena su agenda para el verano y otoño de 1998 por EEUU, con inexplicables llenos, (aunque en lugares pequeños) dada lo desconocido del grupo y de su música, él publico que asistía, estaba confundido, incluso la gente gritaba por la canción “Epic“, del desaparecido Faith No More, y algunos fans de Slayer que iban atraídos por el baterista Dave Lombardo gritaban por la canción “Angel of Death“. Entre el público había cientos de camisetas de Faith No More y Slayer, era obvio que el público esperaba música parecida a estos, pero al inicio del concierto todos ponían cara de incrédulos, por lo que estaban escuchando, Mike siempre hizo bromas de eso, como decir en un concierto ”La próxima canción es un cover de Elton John”.Una vez una persona del publico le gritó, “Cuando van a tocar el sencillo” a lo que Mike le contesto ”Donde has estado imbécil, acabamos de tocar nuestro primer sencillo, pero no te preocupes si no lo escuchaste, pronto lo verás en MTV.”

La música creó tal controversia en la industria musical que la prensa de todo el mundo le pidió a Mike que definiera o diera una explicación de lo que era Fantômas, el solo contestó una inolvidable frase,”Somos una pesadilla espantosa en el puto culo de las bandas de rock”.

They Might Be Giants.

Conocidos también por su abreviatura TMBG es un grupo de indie estadounidense formado en 1982 por John Linnell y John Flansburgh. Son conocidos por su música experimental, y algunos definen su estilo como geek rock (rock intelectual o rock nerd), e incluso, se les considera como un grupo Ska.

Su canción Boss of Me ganó un premio Grammy en el año 2002 y aparece en la introducción de la serie televisiva Malcolm in the Middle.

Flood fue el tercer álbum de estudio de la banda y el primero con una disquera grande (Elektra Records) Aunque fue lanzado en 1990 las grabaciones del disco se hicieron en 1989 en los estudios Skyline en Nueva York.

Su primer sencillo “Birdhouse in your soul” alzancó el número 3 en las listas de la Billboard Modern Rock Tracks. El disco también tiene otras 2 de las rolas más conocidas de la banda “Istanbul (Not Constantinople)” que fue un cover de The Four Lads’; y Particle Man. Ambos fueron videos animados para el programa de televisión infantil Tiny Toon Adventures. Exponiendo a la banda a una audiencia mucho más joven. Al ser este su disco más conocido, ha sido tocado en su totalidad ocasionalmente.

Bueno banda, estos son los discos que les quise recomendar esperando que hayan sido de su agrado.

Ahi se los dejo y comenten, pa’ que luego les traiga más banditas under 😉

¡Ateo!

P.D. Les dejo una banda más pero de esta ustedes investiguen más al respecto 😉

Fecal Matter.


Illiteracy will prevail… Fue la primera banda hecha por el líder de………en 1985.


San Pascualito Rey

¿Qué onda raza melómana, qué dice la cruda por la “Independencia”? Yo por mi parte, dormí bien, sin pedos ni nada (como yo no tengo nada que celebrar, no tengo los típicos problemas postpeda) pero bueno, déjenme recomendarles una bandotota, de esas que casi no se dan en México y que queda muy ad hoc en estos momentos que tienen la cruda adentro…la cruda moral of course eh 😉

Para todos los que disfrutan del dolor y sus acordes (como dirían los moscosos) San Pascualito Rey nos viene cayendo como anillo al dedo ahorita que estamos con la resaca por el festejo bi-centenario por los vaivenes emocionales que cada que salimos de peda sentimos indudablemente.

Oriundos del D.F. el grupo se forma en el año 2000 cuando Pascual fue invitado a tocar las canciones que había grabado en solitario para un demo personal y propone a algunos amigos (todos de lugares cercanos a Satélite en el norte de la Cd. De México) arreglar los temas para ser tocados como grupo; entre ellos se encontraban Adolfo, Nexus, Juan y Jorch, al ver que las canciones funcionaban muy bien al ser interpretadas por todos, deciden dar forma a San Pascualito Rey para inciar su carrera musical.

El grupo tiene como característica fusionar rock con trip hop, lounge, canción romántica y música folklórica mexicana entre otras. Los entendidos se han referido al sonido del san Pascualito Rey como dark guapachoso, mariachi-eléctrico o sonido grupero-melancólico-espacial-tropicoso por sus ruidos orgánicos y sus texturas analógicas. En su lírica hablan del dolor, el desamor, la muerte y la vida de manera muy singular.

En su haber ya tienen 2 LPs y 1 EP. El primer disco se llamó Sufro Sufro Sufro y  fue con el que practicamente despegaron su carrera como banda de culto y atrayendo a toda una legión incondicionales de fans que literalmente, sufren con cada canción que Pascual Reyes nos obsequía en sus discos.

JPEG025.jpg image by rchavezn75

En medio del Sufro sufro sufro y su segundo disco de larga duración, sacaron un EP intitulado Ahora vuelvo, el cual es como un bonus track del primero en donde la banda hace algunos remixes de sus canciones y agregan un cover hecho a Rockdrigo González con la rola: Solares Valdíos.

https://i2.wp.com/i102.photobucket.com/albums/m93/Hasthur/San_Pascualito_Rey-Ahora_Vuelvo_Ep-.jpg

Su segundo disco de larga duración se llama: Deshabitado. Y es una continuacón más del dolor al que nos acostumbró Pascual en su primera producción. Con toques más del tipo boleros pero con esa esencia dark que sólo Pascual puede imprimir. El disco es un sube y baja de emociones (como el primer disco) en el que pasamos del dolor al desamor o al amor y después a la soledad y hasta a la muerte.

https://mentesinkietas.files.wordpress.com/2010/09/san2bpascualito2brey2b-2bdeshabitado.jpg?w=300

Rolas como la que le da nombre al disco (deshabitado) o con la que finaliza (El fin del mundo) nos dan una muestra de ese dolor que todos sentimos alguna vez en la vida y que nos los da, por supuesto, el desamor, la tristeza y la soledad y que Pascual nos narra de una forma por demás desgarradora en sus letras.

Pero no todo es desamor con esta banda, también le cantan al amor como en el primer disco podemos constatar en la rola Tuyo. Rola que nos da esa pequeña esperanza de que el amor no es dolor junto con la otra rola que se llama Cerquita de Dios, en las que la banda juega con ese vaivén de emociones en la que no podemos mas que caer rendidos ante la lírica  metafórica de las canciones.

San Pascualito Rey es hoy por hoy, la banda que despuntará como una de las mejores de todos los tiempos en este México postmoderno hábido de nuevas propuestas musicales que en verdad nos hagan ver que si existe el rock mexicano y que no se limita solamentea copiar estilos gabachos como la mayoría de las bandas y banditas tanto alternativas como indies lo han venido haciendo desde que el rock se instauró en México (allá por los lejanos años 50 del siglo pasado).

Les dejo la historia tal cual la ponen en la página oficial de la banda sobre el porqué del nombre de la banda:

Hay muchos relatos acerca del origen de San Pascualito Rey. La mayoría coincide en la ‘malinterpretación’ que los indígenas del sureste de México y de Guatemala tenían de San Pascual Bailón, santo patrono contra algunas enfermedades. La llegada de pestes que traían la muerte llevó a relacionar a San Pascual Bailón con la muerte, pero como un ente positivo, convirtiéndose así en San Pascualito Rey, santo de la buena muerte. Se le rezaba a San Pascual Bailón para que curara a los enfermos, pero si se trataba de una persona que ya estaba más allá de poderse curar se le rezaba a San Pascualito Rey, para que al menos tuviera una ‘buena muerte’.

Un informe de 1601 denunció la práctica de la idolatría de varios zoques de Tuxtla: ”Un grupo de indios adoró como dios y elevó cánticos públicamente a un esqueleto de indio, cuyos huesos lavados adornan y pintan…”. En 1872 se formó una hermandad para edificar una ermita dedicada al culto y veneración de San Pascual Rey, representado por un esqueleto de madera en su carretón-ataúd, del cual se sabe que 1902 se guardaba en San Marcos y que fue trasladado en 1908 a la iglesia del Calvario. Durante la quema de Santos de 1934 permaneció en varias casas particulares hasta llegar a la iglesia actual, aunque hay quienes aseguran que el esqueleto que hoy vemos fue mandado hacer con posterioridad.

La devoción creció entre los comerciantes del mercado, curanderos y espiritistas y se convirtió en pocos años en el santo más popular del centro de Chiapas, por lo que hubo necesidad de levantarle su templo en los años cincuenta. Muy conocida es la leyenda del carretón sobre el que San Pascualito pasa recogiendo muertos. Se dice que cuando se escucha su chirrido, una agonía culmina. A este santo también se le venera en Guatemala como el Rey San Pascual, representado de pie y con corona.

La Iglesia Católica nunca lo reconoció como santo por ser una imagen pagana. El esqueleto de San Pascualito es sacado de su carretón y expuesto cada 14 de mayo, en medio de gran gozo popular.

En nuestra representación, San Pascualito Rey está en un motel, decepcionado, ensimismado, destronado, hasta su madre… diciéndose una y otra vez: ‘Sufro, sufro, sufro…’

https://i2.wp.com/rafaelvillegas.typepad.com/babel/images/san_pascualito_rey.jpg

Y aquí los links para los que quieran conocer más

Página oficial

www.sanpascualitorey.com

Diario Oficial

http://sanpascualitorey.blogspot.com

http://pepillocordoba.files.wordpress.com/2009/12/san-pascualito-rey.jpg

Lo más Bello. Canción del Demo que sacaron antes del Sufro Sufro Sufro.


¿Existe el Rock Mexicano?

https://i1.wp.com/www.nuevo-paris-ile-de-france.es/fichiers/fckeditor/Image/874/es/standard/rock-is-dead-presentation.jpg

¿Ké onda raza melómana, kómo andan? Yo aquí en mis cavilaciones existenciales de siempre. Ahora con una duda que planteó la siempre sabia revista de La Mosca en la pared hace escasos 13 años (cuando la mayoría de nosotros íbamos en la secun o similares y por ende, éramos parte de la alienación mediática sin darnos cuenta) y que aún ahora, sigue demasiado fuerte la duda -que de hecho, fue aseveración por parte del omnisciente pasquín-

Pero pasemos a materia mejor, en mi muy personal punto de vista, el rock mexicano nunca ha existido. Entendiéndolo, claro, como movimiento o como algún tipo de sonido propio e identificable mundialmente. Si bien, se dice que el rock es la música universal de la jumentud -perdón, juventud- y que por ello no debe ni puede ser chauvinista, ni xenofóbica ni racista; también es bien cierto que este género musical se creó en la, hoy por hoy, mayor nación alienante, mediática y mercantilista del planeta.  Nos referimos, claro está a: Los Estados Unidos de Norteamérica. Y por ende, se puede entender como una parte de dominación de parte de aquel pais para con todo el mundo. Aunque también, siendo asimilado por los jóvenes, es un arma de dos filos que pueden usar para transmitir ya sea un mensaje de rebeldía antisistema o religioso o antireligioso o proalgo o nihilista.

Y si bien el rock nació de las fusiones de la música negra (soul, jazz, gospel, R&B) con la “folkórica” caucásica gringa (hilbilly, country, western) y hablaba sobre conflictos raciales entre negros y blancos al principio para después tratar de minimizarlo con canciones que hablaban simplemente de amor/desamor y “rebeldia juvenil antiautoritasimo paternal”, esto último dio cabida a que se hiciera mundialmente aceptado entre los jóvenes en esos dias…y hasta los nuestros hoy en día.

En México, siendo el vecino #1 de los gringos, no podía dejar pasar desapercibido esto por sus jóvenes de clase alta y con poder adquisitivo para poder comprar las modernas -en aquel entonces- guitarras eléctricas, bajos y baterias que se requerian para emular el sonido que tanto gustaba como era el del rey Elvis Presley o Chuck Berry.

Y he aquí de donde adolece nuestro llamado “rock mexicano”, en el hecho mismo que desde el principio sucitó el tratar de copiar -o emular- el sonido extranjero haciendole sólo modificaciones a la letra para acoplarlas a “la realidad” que vivían los jovenes de los 50s y que aún hasta ahora sigue siendo la maldición del rock mexicano.

El colmo, mexicanos copiándole a mexicanos… Pero dirán por ahi: Como México no hay 2…afortunadamente.


Nunca hemos dejado de copiar el ritmo y los sonidos extranjeros, al contrario, se emulan casi perfectamente, que a veces -con suerte, si el inge de sonido es chido- suelen parecer que son bandas gringas pero con mexicanos en su alineación. Es tal la emulasión de los músicos mexicanos (y sus fans, no faltaba más) que llegan incluso a copiar -calcar es la palabra adecuada- la ideología de otras latitudes, decantándose por las que consideran “humanistas y revolucionarias”, como es el caso del reggae jamaiquino y sus miles de mocositos pachecos/marihuanos pseudointelectuales y “rojos” que gustan de este género en sus años mosos, pero que una vez que la vida sigue su curso y comienzan a querer formar una familia, cambian por completo su “forma de pensar” y su “ideología” acoplándose a la realidad que la vida les exige ya de adultos.

Como vemos pues, tanto los músicos como los fans, no son mas que copias o remedos baratos que, en esencia, no son mas que adolescentes que buscan arduamente ese lugar en donde encajar.

Aunque, si bien es cierto también que han habido propuestas mexicanas que han tratado de fusionar el universal sonido del rock con la música tradicional mexicana, como por ejemplo: Café Tacvba, Caifanes, Rockdrigo, Botellita de Jerez o San Pascualito Rey entre otros. Estos no son considerados como un movimiento o una forma de identificar el rock mexicano (consideran más a Maná en otros lados del mundo o a Hocico -guardando las debidas diferencias de sonidos, but of course- que a las bandas mencionadas con anterioridad)

Muestra de folclor y urbanismo es este video de los Tacubos en sus inicios.

Botellita de Jerez y una muestra de historias defeñas de ayer y hoy.

La cumbia darketa de los Caifanes es un clásico en bodas y XV años. Nótense los pelos thecurescos que traía Saúl en ese entonces XD.

San Pascualito Rey es considerada -por los que saben- la banda continuadora de los Caifanes y ven en su vocalista Pascual Reyes como el nuevo ‘chamán’ del rock mexica.


El rock hecho en México en la actualidad, como lo han venido demostrando las banditas de toda esta década, no es mas que simples calcas sin originalidad (para variar) que se limitan a copiar sonidos del llamado indie rock, rock alternativo y ya ahora el hard rock y hasta el rock progresivo (para variar también) muy de voga en los 70s, 80s y 90s para  convertirlo de tajo en simple rockpop “indie” fresón para pubertos llorones que sufren porque sus papás no los dejan ir a las tocadas locales a beber y ponerse hasta la madre de pendejos con sus amiguitos drogos (caso clásico es por supuesto el de Panda, que se copió descaradamente las letras y los rifss de otras bandas -según ellos desconocidas- parar “hacer sus rolas” y que ya nada más falta que hagan un disco que se llame: Amantes Endenantes y aleguen que es cultural y autóctono por el título de su disco…).

Pero también es bien cierto que los jóvenes y adolescentes actuales están más enterados de la historia y biografía de muchas bandas y artistas  que con ayuda de la hoy por hoy  casi diosa y dios wikipedia y youtube -respectivamente- muchos de nosotros ni siquiera soñamos tener cuando teniamos su edad. Lo malo de esto es que en lugar de que usen esa información (que está ahi disponible las 24 horas y completamente gratis ya para todos) sólo se limiten a lo que adolece al mexicano de siempre: copiar copiar y copiar. Y nunca dejar que su originalidad aflore como es el caso de otras bandas -caso específico las gringas e inglesas- en las que esta información (que antes leían en libros y revistas especializadas, por ejemplo) si les inspira para crear y componer melodias de alcance mundial, con o sin medios de comunicación masiva (radio, tv o revistas) que les den buenas críticas o apoyo a su propuesta y dejando ya a los propios fans dejar que ellos decidan si son buenos o no con la ayuda de Internet y myspace y youtube.

En fin, siento yo que aun nos falta mucho para poder tener artistas originales, que creen y reinventen el rock y por supuesto, lograr asi formar un verdadero movimiento de rock mexicano… Pero esos no son más que sueños guajiros de un bloguero como yo.

Pero bueno, dejemos mejor que hablen los expertos y permítanme mostrarles un artículo escrito en la edición 18 de La Mosca, año 2 de 1997. Escrito por Alejandra Tovar (Periodista colaboradora de La Mosca).

Hijos de la Tele


La pregunta que plantea La Mosca en la Pared es muy simple y se presta, por ello, a respuestas simples. ¿Existe el rock mexicano? Lo obvio es decir: Sí, ya que existen grupos mexicanos que tocan rock. El asunto podría quedar ahí y  sanseacabó. Sin embargo, creo que la cuestión exige una mayor profundidad, una mucho más grande hondura. Quizás el planteamiento debió haber sido: ¿existe un movimiento, un sonido, un estilo al que podamos reconocer y denominar como rock mexicano? Ahí, las aristas ya son más numerosas y complicadas.

Si hacemos un poco de historia, tendremos que reconocer que el rock elaborado aquende nuestras fronteras ha estado siempre marcado por la aplastante influencia de lo extranjero. Al principio fue el rock norteamericano, más tarde, el inglés; y de manera más reciente, el español y argentino. Los Teen Tops, Los Locos del Ritmo, Los Crazy Boys, Los Rebeldes del Rock y otros grupos de fines de los cincuenta y principios de los sesenta adaptaban al español célebres rocanroles con letras ciertamente ingeniosas. “Mis jefes me dijeron: ya no bailes rocanrol, si te vemos con la Plaga, tu domingo se acabó”. “Demostraremos a los rucos que amargados todos están”. “Yo sé muy bien que esa chamaca es un peligro mortal”. Las canciones decían cosas que se relacionaban con la realidad de los jóvenes de nuestro pais en aquellos días, pero como movimiento musical no existía algo que pudiera identificarse como “mexicano”.

Incluso composiciones propias como “Tus Ojos” o “Yo no soy un rebelde” resultaban rocanrolitos o baladas de estructura similar a los que se escribían más allá del rio Bravo.

A lo anterior habría que agregar algo más, un hecho que resultó definitivo para el desarrollo del rock en estos lares: la influencia aplastante de la televisión, influencia que habría de mediatizar a esta música, arrebatándole de tajo cualquier signo de autenticidad y convirtiéndola en parte del entretenmiento televisivo familiar. De ahí que gran parte de aquellos conjuntos -como se les llamaba en ese entonces- entraran a la TV, donde -en programas como “Premier Orfeón” y otros- pudieron confirmar su inanidad ideológica y cultural. Sí, se trataba de jovenzuelos que sólo buscaban divertirse, echar relajo y hacerse los simpáticos (igualito que los de ahora). Por eso, varios de ellos terminaron como actorcetes, malos cómicos o hasta choumans (la lista incluye a Enrique Guzmán, César Costa, Manolo Muñoz, Johnny Laboriel, Julissa, el Vivi Hernández, etcétera)

Ya a finales de los sesenta y principios de los setenta, el rock mexicano era tan mexicano que se cantaba en inglés y los nombres de los grupos eran en su mayoría también en ese idioma (White Ink, Three Souls in My Mind, Peace and Love, Love Army, etecé). Incluso un grupo de tan rimbombante denominación como La Revolución de Emiliano Zapata tuvo su mayor éxito con una canción in inglich: “Nasty Sex”. ¿Podría decirse que hasta ese momento había existido un rock mexicano? Evidentemente no. Y la tele seguía teniendo un gran poder de manipulación, como lo demostró la serie “La Onda Woodstock”, donde se promovió en grande el festival de “Rock y Ruedas” de Avándaro, tumba que sería durante largos años el rock hecho en México.

Los ochenta, con las irrupciones de la primera y la segunda ola de lo que se conoció como “Rock en tu Idioma”, se significaron por el reinado absoluto de la influencia televisiva sobre el rockcito nacional. Grupos había y seguía habiendo en buena cantidad, en su mayoría subterráneos. Ahí estaba El Tri de Alejandro Lora, tocando en hoyos fonquis para lo que en ese entonces era “la raza” y hoy es “la banda”. Pero no existía aún algo que pudiera reconocerse como rock mexicano. Fue entonces que a Luis de Llano Macedo, verdadero padre y autor intelectual de la última honrada de rock en México, se le ocurrió fabricar un grupo que empezó como imitación del insoportable cuarteto español Parchis y terminó cantando melodias de indudable sonido roncanrolero. Señoras y señores, hablo de Timbiriche, grupo precursor de una gran parte del rock que tenemos hoy día.

Antes de pegar el grito en el cielo, acepten -!oh, caros lectores!- la realidad: ¿cuántos de los que hoy son veinteañeros y aun treintañeros no suspiraron y escucharon sus primeros acordes semirocanroleros con esa banda perfectamente diseñada por el ingenioso De Llano? No lo nieguen. Muy pocos de ustedes -incluidos músicos- comenzaron oyendo rock con Ritmo Peligroso, Kenny y los Eléctricos o Náhuatl (grupos que por cierto solían aparecer en los programas dellanescos). Sino con rolas como “Con todos menos conmigo”, “Tu y yo somos uno mismo”, “Besos de ceniza” y demás. Esta raiz obvia y jamás reconocida es fundamental para comprender buena parte de lo que ha pasado y sigue pasando con el rock que se ha hecho en México durante los últimos diez años.

Ya después vino la irrupción del sonido hispano-argentino (Miguel Mateos, Soda Stereo, Charly García) o las influencias de los grupos punks, darquis, de ska o de afrobeat (desde los Sex Pistols, The Clash y The Specials hasta The Cure y Mano Negra). Y vino también la apertura de los medios, muy marcadamente la siempre omnipresente televisión, que vio de pronto en el rock en español un negocio más que rentable (¡salieron hasta en “Siempre en Domingo”!) y se les hizo creer que en verdad conformaban un movimiento: el del rock mexicano. En ese engaño hemos vivido todos estos años, pensando que ya la hicimos, que nada tenemos que envidiarle a los malditos anglos y que como México no hay dos.

Concluyamos: en nuestro país existen muchos grupos -buenos y malos, interesantes y vacuos, talentosos y grotescos- sí; todos ellos son mexicanos y hacen rock, de acuerdo; lo que no hay, sin embargo, es un estilo o un movimiento -como podría ser el reggae jamaiquino- al que podamos llamar rock mexicano. Así de fácil…y así de complicado.

PD. Y despues de todo, ¿por qué ese estúpido afán nacionalista y acomplejado de afirmar la existencia de un rock mexicano? El rock es internacional, es la música de los jóvenes del mundo, es -en esencia- una música enemiga de fronteras, antichauvinista, antixenofóbica, universal.


Y con esa última reflexión los dejo mi querida raza de bronce, para que analicen si en verdad existe o no el mentado Rock Mexicano.

Sale pues, nos videamos luego.

Pásensela chido.

¡Ateo!


Historia de la Animación en el Rock (Parte 4)

https://i0.wp.com/drawn.ca/wordpress/wp-content/images/animshow.jpg

¿Ké onda raza de bronce adorada, kómo andan? Yo espero ke bien, aunke ni tanto, lo sé. Ya regresamos a klases y vuelve el estrés de siempre a embriagarnos, pero weno, ké se le va a hacer ¿verdad? (Yo les diré ké hacer, pero en otro post ke ya estoy makilando, no os preokupéis ñ_ñ)

Bueno, komo sabrán los ke me leen (y los ke son nuevos, pueden chekar los tags pa ke lo sepan) he venido haciendo este especial de animación en el rock desde hace kasi 2 meses y ya por fin hoy lo terminamos.

En la primera parte hablamos desde los años 30s cuando el jazz era lo mismo ke ahora es el rock para la juventud de akel entonces hasta los años 80s. En la segunda parte vimos los maravillosos años 90s y su indiferencia característica, asi como los avances en materia de animacion en 3D. En la tercera parte vimos la historia de la animación en 3D en el cine y kómo se fue aplikando a los videos promocionales para las bandas tanto de rock komo de pop en la primera dékada del milenio (del 2000 al 2005). Y ya por fin en esta kuarta y última parte veremos el avance ke se dio en la manera tradicional de hacer animación tanto “análoga” komo digital del 2005 a este 2010.

Entremos de lleno pues a la cuarta y última parte de este especial de Animación en el Rock.

https://i0.wp.com/www.aqsa.org.uk/Portals/0/Multimedia/flashIcon.png

Ésta década se caracterizó por el uso de programas computacionales especializados en la creación de animaciones, con el fin de simplificar el árduo trabajo de los animadores que lo hacían de manera tradicional (o sea, dibujos con papel y lápiz) economizando tiempo, esfuerzo y -pero por supuesto- dinero y  costos. Aunque para esto debían saber cómo animar con la computadora y tener las mismas habilidades de dibujo que los tradicionales animadores análogos.

Este tipo de animación pudimos ir viéndola por primera vez allá por el lejano ahora año 2000, con el uso de Internet y las primeras formas en que se distribuían videos antes de la llegada del Youtube y demás páginas para ver videos. O sea, mediante el uso de páginas de humorismo como el reyano.com o similares que se especializaban en buscar y cazar literalmente este tipo de videos y postearlos en sus pàginas y foros y tambien mediante el mail sando formatos de poco espacio y almacenamiento como fueron en su momento el .asf o el .wmv antes de la llegada del .flv que es el formato que usa youtube y más páginas para ver videos y que se carguen rápidamente.

https://i1.wp.com/www.seeklogo.com/images/H/Huevo_Cartoon-logo-CB83A3FDBF-seeklogo.com.gif

Los primero pininos en este sentido fueron dados con animaciones creadas expresamente con el macromedia flash y adobe dreamweaver y es con las que pudimos ver cosas que parecian primero como  hechos con paint y otros ya mas elaborados y que ya se veían mas estilizados y con un toque mas profesional como por ejemplo: Killer Pollo o Huevo Cartoons respectivamente. Estos programas de diseño y animación, nos da la opción a cualquier persona con los conocimientos mínimos en el uso de flash y con conocimientos medianos o avanzados en técnicas de dibujo, el poder crear animaciones ya mas complejas y profesionales como es el caso de: Vete a la versh o Cálico Electrónico abaratando los costos de producción casi en un 50% o hasta menos si se junta un pequeño grupo de amigos con ganas de trabajar en algo de calidad y con poco dinero.  Flash pues  es una herramienta que da esa oportunidad a todos de poder ser animadores fácilmente y llevar a cabo tu idea sin tantas complicaciones y practicamente sin mucho dinero.

Pero pasemos a la materia que nos ocupa, el rock por supuesto. Muchas bandas comenzaron a ver que esta era una forma nueva e innovadora de hacer sus videos con menor costo que si produjeran todo a la antigüa (o sea contratar director, iluminadores, escenógrafos, diseñadores, ing. de audio, etc.) veamos pues algunos ejemplos de esto:

Moonspell – Luna

Esta banda de portugal se especializa en un sonido de metal gótico y con este video quedan demostradas sus influencias poesianas y lovecrafescas. Así como también el uso de la animación con flash para crear su visión terrorífica cuasi emo.

Otros ejemplos del uso del flash para hacer sus videos los tenemos con estas otras bandas:

The Horrors – She Is The New Thing

Rob Zombie – American Witch y Lord Of Salem

Avenged Sevenfold – A Little Piece Of Heaven

Aunque no sólo de rock vive el hombre comtemporaneo, también hay otros géneros mas teatrales que se han enfocado a la creación de este tipo de arte visual y un ejemplo lo tenemos con esta banda under de Dark Cabaret que combina la animación digital con imágenes reales (nada difícil de hacer hoy día, como lo fue en su momento en los años 30s, 80s y 90s que se dio este tipo de fusiones) y que nos muestra una clara influencia Burtoniana.

Stolen Babies – Push Button

Otra banda alejada de los estándares del rock convencional pero no del metal under, es ésta otra que se puede encasillar en lo que se conoce como: Darkwave (o lo que es lo mismo ola oscura) y que también nos muestra una influencia un tanto burtoniana pero dándonos un ejemplo de las nuevas formas de animación en 3D para que parezca animación tradicional en stop motion.

ASP – Me

Voltaire – Viva Calaca

Aquí podemos apreciar un tributo al día de los muertos mundialmente conocido en toda la orbe del planeta sobre esta tradición que aquí en México esta fuertemente arraigada. En algo que podriamos considerar como Mariachi Dark Cabaret y con el uso del flash también para crear la animación.

Otras bandas que se alejan de los cánones tanto del rock como del metal y se decantan mas por el punk son estas de uno de los géneros que también tiene sus seguidores y que ha usado la animación para crear sus mundos fantasmales y horripilantes a segun su creatividad.

The Creepshow – Take My Hand

Banda entre el horrorpunk y el horrorpop que nos deleita la pupila con su female fronted en este video “de piratas”

O que les parece este otro video de metal experimental y avant-garde con la banda Isis y usando una animación en 3D bastante chida.

Isis – 20 minutes 40 years

O esta otra que está en tre el metal progresivo, el thrash, el death y el groove metal.

Gojira – All The Tears

Y bueno, ya a manera de despido les dejo el clásico bonus track con algunas bandas que estoy seguro no muchos conocen pero que de igual forma han venido usando la tecnología en 3D para la creación de sus videos. Algunos de estos, llegando incluso a mostrar gore explícito dándonos una muestra de que los tiempos en que vivimos han vuelto a cambiar y que el gore se puede usar en la visión artística que tienen los compositores, directores y animadores de hoy en día.

Brian Poseh – More Metal Than You

Banda parodia que se burla de los metaleros -en específico, los nuevos metaleritos adolescentes que se sienten bien ruditos XD-

Fact – Behind a Smile

Banda japonesa de post-hardcore en la que utiliza la animación tradicional de su natal japón -conocida como ánime por todos- y la suerte que un espadachín post apocalíptico tiene en este video por demás genial. Disfrútenlo (por cierto, los japoneses se esmeran en hacer parecer la animación digital en flash, como si fuera animación tradicional a la antigüita y para muestra este video)

Block Party – One Month Off

Esta bandita es del género que tanto aman los mocosos hoy en día, o sea: el indie. Lo chido de este video es que creó con animación en 3D los ambientes de las antigüas animaciones que hacía el maestro Ray Harryhausen en tiempos en que hacer animación era una proesa.

Dionysos – Tais Toi Mon Coeur


Esta banda francesa es una de mis favoritas en la actualidad. La descubrí apenas y quedé sorprendido por su estilo tan avant-garde y de art-rock. Espero ustedes también la disfruten mis queridos lectores ñ_ñ.

Y ya con esta bandotota me despido. No podía faltar, claro está, en este especial de animación, el nuevo video de la dama de hierro.

Iron Maiden – The Final Frontier

Y bueno raza, con esto damos por terminado este especial de la historia de la  animación en el rock. Como ven, esta década ha sido muy prolífica en la animación en 3D digital y todo gracias al avance inusitado que hemos vuelto a ver en estos pocos años de la tecnología. Y ya pronto habrá videos en 3D por lo cual, será digno de que haga otro especial sobre eso, pero para que suceda, aun falta tiempo. Asi que, nos vemos pronto y espero les haya gustado y pronto habrá más especiales de mi parte.

Pásensela chido raza.

Ateo!


Historia de la Animación en el Rock (parte 2)

https://i1.wp.com/www.cartoonbrew.com/archives/animationshow3.jpg

¿Ké tal raza de bronce adorada, kómo andan? Espero ke bien y ke hayan disfrutado sus vakaciones. Yo por mi parte ya estoy empezando a sentir ese “shock postraumático” ke me da kada ke terminan las vakaciones XD. Pero bueno, pasemos mejor a lo ke nos interesa.

Hace 2 post (ke hice komo hace 1 mes o más) komencé kon esto de la historia de la animación en el rock, porke según yo, ningun blog la ha publikado aún. Y pues bueno, komo pudieron darse cuenta, el blog komenzaba kon ke era la “Parte 1” por lo ke ahora seguimos kon la parte 2 (de 4 ke van a ser). Bueno, komencemos pues kon esto ke según yo, es la historia (inkompleta, por supuesto, faltaba más) de la animación en el rock parte 2: Los maravillosos 90s.


Como sabrán, los videos de música así como los avances en el sonido van muy ligados con el cine desde que este se inventó casi, por lo que ahora es muy común que muchos jóvenes se decanten por la carrera de cine o comunicación, porque les ha gustado mucho lo que han visto en sus videos favoritos y quieren hacer algo así o mejor pero inspirados, but of course por los cineastas y músicos que nos proceden.

La mayoría de estos nuevos cineastas mamaron literalmente toda la cultura, mitos, manias, fobias y filias de los cineastas alternativos que nos dieron los maravillosos años 90 (perdón por el adjetivo tan subjetivo, pero es mi época y la añoro con nostalgia cuasi pueril). Nombres como Mike Judge, John Kricfalusi, Don Hertzfeldt, Bill Plimpton, Jim Davis, Glen Eichler, Jhonen Vasquez, Tim Burton, Henry Selick, Todd McFarlane, Eric Fogel o personajes como Beavis and Butt-head, Ren y Stimpy, Garfield, Daria, Invasor Zim, Jack Skeleton, The Sandman, Spawn, Celebrity Deathmatch entre un largo etc.; son los que han creado el imaginario de cultura pop de nuestros tiempos, así como la filosofia tanto nihilista como existencial y postmoderna (como han acusado algunos sociólogos) que éstas series, animaciones o películas nos han transmitido durante 20 años a todos los jóvenes alternativos de ayer y hoy.

https://i0.wp.com/www.vitusproductions.com/REN%20AND%20STIMPY%20DJs.jpg

Pues bien, fue gracias a ellos y al canal que siempre anda en caza de la moda juvenil mas popular del mundo (me refiero, claro está a MTV) que se ha propagado como pólvora toda esta forma de pensar y de ver el mundo en nuestros días. Y es por éste canal que muchos de los videos que a continuación veremos se han esparcido a lo largo y ancho de nuestro ya globalizado planetita (que ya casi dejará de ser) azul.

http://teenagethunder.files.wordpress.com/2008/04/daria.jpg

Los videos que a continuación veremos, son una muestra de esa grafía nihilista, existencial y postmoderna que he mencionado unos párrafos atrás. Por lo que no es de extrañar que la mayoría de nosotros (incluido este bloguero sin oficio ni beneficio) añoremos con esa nostalgia pueril que sólo el haber sido bombardeado con este tipo de animaciones, música y películas nos ha dado. (Recuerden que no por nada somos parte de la Generación X, aunque a muchos no les guste ese mote y otros digan que eso no existe y no es mas que invensión de los medios para etiquetar a un grupo de personas, como siempre tienden a hacer)

Comencemos pues con algunos de los videos que los 90 nos legaron y que estoy seguro, a muchos de ustedes les agradan (o agradarán) en demasía:

Green Jelly – Three Little Pigs

Muestra de una historia postmodernista es este video en el que se cuenta como los 3 cerditos se vengaron del lobo feroz. La técnica del video es la siempre vilipendiada y sobrevalorada hoy día: Stop Motion.

Tool – Sober

http://www.youtube.com/watch?v=hglVqACd1C8

Red Hot Chili Peppers – Love Rollercoaster

http://www.youtube.com/watch?v=N1cbsLKXasQ

Bjork – I Miss You

http://www.youtube.com/watch?v=cbGKl56ap1E&feature=related

(Esta no es la pista original, pero desgraciadamente, en el Tubo se la quitaron a los otros videos, asi ke, ni pex banda.)

Primus – The Devil Went Down To Georgia

http://www.youtube.com/watch?v=Q9tEdbwXxXw

Buena rola pa’ los que quieran a prender violín y les lata los sonidos country experimentales.

Sepultura – Ratamahatta

http://www.youtube.com/watch?v=RrMLFLqvP5g

El Stop Motion usado para contar una leyenda brasileira en una rola chida de esta bandota.

Radiohead – Paranoid Android

Video y canción cumbre del existencialismo 90ero que a la mayoría (por no decir que a todos) los de mi generación, nos gusta.

Pearl Jam – Do The Evolution

Palpable es en toda la animación de éste video el mensaje político antineoliberalista que proclama pearl jam en esta -para mi- la mejor rola que tienen.

Y como bonus tracks a esta gran lista de videos de animación en el rock, les dejo estos links pa los nostálgicos de vanguardia (como dirían los de La Mosca -por cierto, la mejor revista mexicana de culto habida y por haber)

Soundgarden – Black Hole Sun

http://www.youtube.com/watch?v=9AIT_AQGBno&feature=fvst

Esta es la versión chida -sin censura- cuasi apocalíptica y ultragrotesca de este video que en su tiempo fue uno de los mejores del llamado movimiento Grunge y que uso en su momento lo que se conoce como Silicon Graphics Images o imágenes generadas por computadora a las que ahora todos estamos acostumbrados a verla y que pudimos apreciar en toda su gloria en la película de ciberficción Terminator 2: The Judgement Day.

KoRn – Freak On A Leash

http://www.youtube.com/watch?v=o6l6o6vDlww

Esta banda quiérase o no, fue una de las que puso los cimientos para que el movimiento emo -tan odiado en nuestros días- se llevara a cabo con éxito. Baste poner atención a sus letras para comprobarlo. Por cierto, la animación también fue hecha por Todd McFarlane como en la del video de Pearl Jam. En este video también podemos apreciar algo con lo que inauguraremos la parte 3 de este especial: La animacion por computadora.

Marilyn Manson – Astonishing Panorama of the End Times

http://www.youtube.com/watch?v=5T_R40Zb–U

Video que la mayoría de la gente pensaría que está hecho en animación tradicional de Stop Motion pero que no es así. Son gráficos hechos a computadora. Una muestra mas de lo que nos espera en la parte 3 de este especial de animación en el rock.

Mención aparte es este otro video de los Red Hot Chili Peppers con temática de videojuegos que el buen Krlz hizo favor de recordármelo (XD) Y que (como menciona Krlz) en su tiempo se creía que así serían las gráficas del PS2.

Red Hot Chili Peppers – Californication

Bueno banda, espero y les haya gustado esta segunda parte (de 4 ke serán) de la animación en el rock y sigan en sintonía por estos ciberlares y kon su bloguero favorito 😉

Pásenla chido.

Ateo!

Slipknot – Wait and Bleed

Stop motion bizarro obra de estos señores de Slipknot…video que nunca pasaron en MTV Latino, por eso casi nadie lo recuerda.


Jesucristo Superstar

https://i0.wp.com/www.tupelicula.es/imagenes/descargasdirectas/2882.jpg

¿Ké onda raza de bronce (y católica), kómo estan? Yo akí disfrutando mis bien merecidas vakaciones 😎 Bueno, bueno mejor pasemos al tema ke nos akontece el día de hoy.

Hoy les kiero rekomendar una peli ke a mí en lo partikular me gusta mucho. Se llama Jesucristo Superestrella, una ópera rock kreada por Andrew Lloyd Weeber y Tim Rice.

A kontinuación les pondré una reseña ke hice para una revista cultural de akí de mi Ciudad llamada Sector 7, pero ke por motivos imprevistos no pudo salir a circulación (mi artículo of kourse, porke la revista ya está en circulación…kómprenla ;-)) y ke les dejo íntegramente para su disfrute.

https://i2.wp.com/www.elconfidencial.com/fotos/noticias/2009080366jesucristo_d.jpg

“Yo tenía fe, ahora estoy triste y cansado”

Jesucristo en Jesucristo Superestrella.

¿Qué tal amigos de Sector 7? ¿Cómo están? Espero que se la estén pasando bien. Esta vez quiero comentarles una película que causó revuelo en su tiempo y que aun hoy, lo sigue haciendo. Me refiero, por supuesto a la ópera rock de: Jesucristo Superestrella.

Obra realizada por Tim Rice (libreto) y Andrew Lloyd Webber (música); primero apareció en disco, después en teatro y luego en cine dirigida por Norman Jewinson en la década de los 70 causando controversia en grupos religiosos por mostrar sólo la faceta humana de Jesús.

En México se estrenó en el enorme Teatro Ferrocarrilero en 1975, con traducción de Luis de Llano y Julissa. Enrique del Olmo llevó el papel principal de Jesús y Jorge Abraham el Judas. Julissa llevó el papel de María Magdalena. Para 1984 se repite el éxito de Jesucristo Superestrella repitiendo Jorge Abraham en el papel de Judas, pero ahora con Juan Santana en el papel de Jesús, y la cantante pop Laura Flores en el papel de Magdalena.[1]

La obra nos muestra los conflictos existenciales, políticos, ideológicos y sociales que se derivaron de la aparición de Jesucristo en nuestro mundo supuestamente. Viéndola desde un punto de vista psicológico, la película la podemos dividir en tres facetas: Ello, Yo y Superyó. Veamos:

Para quienes hayan olvidado en qué consisten los postulados del Ello, Yó y Súperyó, aquí les dejo un pequeño recordatorio (Powered by Wikipedia)

Freud, en su segunda teoría acerca de la estructura del aparato psíquico, distingue tres instancias fundamentales:

  • El Ello: Su contenido es inconsciente y consiste fundamentalmente en la expresión psíquica de las pulsiones y deseos. Está en conflicto con el Yo y el Superyó, instancias que en la teoría de Freud se han escindido posteriormente de él.
  • El Yo: Instancia psíquica actuante y que aparece como mediadora entre las otras dos. Intentando conciliar las exigencias normativas y punitivas del Superyó, como asimismo las demandas de la realidad, con los intereses del Ello por satisfacer deseos inconscientes, es la instancia encargada de desarrollar mecanismos que permitan obtener el mayor placer posible, pero dentro de los marcos que la realidad permita. Es además la entidad psíquica encargada de la defensa, siendo gran parte de su contenido inconsciente.
  • El Superyó: Instancia moral, enjuiciadora de la actividad yoica. El Superyó es para Freud una instancia que surge como resultado de la resolución del complejo de Edipo y constituye la internalización de las normas, reglas y prohibiciones parentales.

El Ello sería el séquito de Jesús junto con María Magdalena (Yvonne Elliman), el Yo sería Judas (Carl Anderson) Caifás y Anás (Bob Bingham y Kurt Yajhjian respectivamente) y el Superyó sería Jesucristo (Ted Neeley). ¿Por qué tomarlos de esta forma? Sencillo, porque la película en sí es una crítica tanto a la sociedad, como a la religión y al gobierno. Al ir viendo la peli guiándonos por estos principios del psicoanálisis freudiano, nos será más fácil entenderla.

Lo primero que vemos en la peli es a Judas criticando a Jesús porque según él, cree que Jesús sólo busca popularidad y está llevando a la perdición a sus seguidores (Yó). Luego de eso vemos a sus seguidores en un frenesí pidiendo a Jesús que les diga qué deben hacer y qué deben decir (Ello). Para luego escuchar a Jesús replicarles el porqué le dan tanta importancia a sus problemas (Súperyó). Luego podemos ver a los fariseos fraguando un plan contra “este rey de los judíos que cada día toma más importancia” (Yó). Enseguida podemos ver una de las demostraciones que mejor plasman a los humanos en la canción de Hossanah, especialmente en la parte en donde la gente le pide a Jesús que pelee y que muera por ellos (Ello). Para después continuar con la canción de Simón Zelotes en la que también se ve claramente plasmado la forma de pensar de los seguidores de Jesús en la que le dice literalmente que si lo siguen obtendrán la salvación en el cielo y además que debe añadir un poco de odio hacía Roma para que él tenga más poder y los seguidores un hogar (Ello). Luego de eso, podemos ver una demostración más del Ello en la canción titulada Yo no sé cómo amarlo que canta María Magdalena.

Las otras dos canciones en que hay que poner bastante atención son: Getsemani y Superstar. En Getsemani (la más grande manifestación del Superyó en la película) Jesús tiene su momento de mayor existencialidad humana en el que pide a gritos a Dios el saber porqué deberá morir para que su vida tenga sentido (obviamente Dios nunca le contesta) y en Superstar se nos muestra la mas grande crítica (y manifestación del Yó) a Jesús que se le pueda hacer a nivel masivo y mundial hecha por Judas en la que le pregunta  ¿por qué no vino en nuestros tiempos dónde tendría a todos los medios de comunicación para transmitir su mensaje ¿si él se cree el mas importante, mas que Buda o Mahoma? y la mas importante de todas las críticas ¿de qué ha servido tu sacrificio? Esta canción es la que le da TODO el sentido a la película y nos hace reflexionar sobre nuestras creencias hacía cosas supuestamente, mayores que nosotros. Hay que poner especial atención al final ya que se nos muestra a Jesús caminando solo guiando a una manada de borregos con una puesta de sol increible.

La peli se realizó en locaciones en Israel, llena de anacronismos históricos hechos intencionalmente para acoplarla a los tiempos posmodernos en que fue realizada, o sea los 70 hippies, como ya habíamos mencionado.

Recomendada ampliamente para todos los amantes de los musicales o de las películas con críticas sociales inteligentes. Por cierto, esta obra ha tenido tanto éxito que tiene muchas adaptaciones en audio. Japonesa, Brasileña, Mexicana, Española, Francesa y hasta en estilos varios como: Surf y Punk.

Disfrútenla en familia en esta semana santa… ¡ateo!



[1] Información tomada de Wikipedia.

https://i1.wp.com/www.fotos.org/galeria/data/576/jesucristo-superstar-10.jpg

Para ke vean kuánto los kiero kondenadotes…les dejo la peli kompleta y kon el audio en español (sincronizado por fans, of kourse) para ke la vean y entiendan mejor lo ke kise decir kon eso del Ello, Yo y Superyo.


Courtney y Yo, ¡Aguanta Esto! de Lucía Etxebarria

https://i2.wp.com/estaticos01.cache.el-mundo.net/elmundolibro/imagenes/2004/04/26/1082991023_0.jpg

¿Ké onda raza adorada (¿o dorada?) de bronce ñ_ñ?, ¿kómo andan? Espero ke bien. Yo ando de maravilla komo siempre, disfrutando la vie.

Bueno, les traigo otra rekomendación literaria ke a lo mejor se preguntarán: ¿kómo es ke este wey nos rekomienda semejante libro? Pues bien, el tiempo pasa y las mentalidades kambian ñ_ñ. Así ke, es bueno saber la historia de los 2 bandos para krear uno mismo su punto de vista de las kosas.

Pero ajá, el libro en kuestión se llama: Courtney y Yo: ¡Aguanta esto! De la escritora Lucía Etxebarria. Autora polémica ke ha eskrito ya varios libros y guines de pelis, todas ellas inspiradas en el posmodernismo de las últimas 2 décadas del siglo XX.

Pero mejor veamos un poco de la bio de la escritora

Powered by wikipedia.

http://escritores.files.wordpress.com/2007/05/lucia.jpg

Lucía Etxebarria de Asteinza (Valencia, 7 de diciembre de 1966) es una escritora española.

Hija de padres de Bermeo (Vizcaya) y séptima de siete hermanos, nació en Valencia, estudió en un colegio de monjas y posteriormente se trasladó a Madrid, donde se licenció en Filología Inglesa y Periodismo. Colaboró en Ruta 66, y trabajó como camarera, promocionera en Nuevos Medios, jefa de prensa en Sony y responsable de comunicación en Fnac Callao, empleo que abandonó cuatro meses antes de publicar su ópera prima.

Su primer libro extenso es una biografía novelada de Courtney Love y Kurt Cobain: La historia de Kurt y Courtney: aguanta esto (1996). Su primera novela, Amor, curiosidad, prozac y dudas (1997), recibió el apoyo de Ana María Matute y, además, provocó controversia al contener frases completas de la novela Prozac Nation. Al año siguiente ganó el Premio Nadal con su segunda novela, Beatriz y los cuerpos celestes. Ambas novelas resultan en parte autobiográficas y de carácter feminista, y la segunda utiliza una cierta simbología inspirada en La Divina Comedia de Dante Alighieri y trata sobre una evolución sentimental bisexual, en la que se reconoce la autora. En Nosotras que no somos como las demás (1999) construye una novela cuya estructura, varios relatos entrelazados de personajes que se repiten, recuerda a su debut narrativo, inspirado a su vez Esclavos de Nueva York, de Tama Janowitz. En ese mismo año realiza el guión de la película Sobreviviré, en colaboración con Menkes y Albacete, con quienes también firmará el guión de I love you baby en 2001, año en que el director Miguel Santesmases adapta libremente, pese a la ayuda de la escritora, su primera novela Amor, curiosidad, prozac y dudas al cine, y Antonio del Real dirige su guión La mujer de mi vida.

En septiembre de 2000 se trasladó a Escocia para trabajar en la Universidad de Aberdeen, donde impartió clases de escritura de guión y participó en diversos seminarios y conferencias. En noviembre del mismo año fue investida Doctora Honoris Causa en Letras por esa universidad. La Eva futura. La letra futura (2000) compila ensayos de temática feminista. Fruto de su estancia escocesa es el ensayo En brazos de la mujer fetiche (2002), escrito en colaboración con Sonia Núñez Puente.

Volvió a la narrativa con De todo lo visible y lo invisible (2001) ganadora del Premio Primavera de novela, y en 2003 publicó el libro de relatos Una historia de amor como otra cualquiera. Posteriormente, en 2004, reeditó su primera obra, ahora bajo el título Courtney y yo, incorporando una primera parte nueva. Con Un milagro en equilibrio, una novela centrada en la experiencia de la maternidad, obtuvo el quincuagésimo tercer Premio Planeta en 2004. En 2005 compiló y tradujo La vida por delante: voces desde y hacia Palestina, publicado por la editorial Fundamentos, y se convirtió en editora de la colección Astarté de la editorial mr ediciones.

También ha editado trabajos de poesía. En este género debutó con Estación de infierno (2001) por el que fue acusada por la revista Interviú de plagiar al poeta Antonio Colinas. En 2004 publicó Actos de amor y placer, con el que ganó el XX Premio Barcarola, aunque el premio le fue ofrecido por la organización del premio antes incluso de que la autora se hubiera presentado.

En 2005 publicó Ya no sufro por amor, un libro que la autora define como una aspirina, considerado de autoayuda por algunos de sus detractores. Por este libro Etxebarria fue acusada nuevamente de plagio.

En primavera de 2007 saca una nueva novela llamada Cosmofobia, en la que narra la vida de veinte personajes que tienen en común vivir en el madrileño barrio de Lavapiés.

En 2009 publica en colaboración con Goyo Bustos un ensayo titulado ‘El club de las malas madres, con reflexiones y consejos sobre la complicada tarea de ser madre, padre o maestro de niños en estos tiempos.

Su obra ha sido traducida a veinte idiomas.

Y pues ya ke sabemos ké ha eskrito, dónde nació y más kosas importantes sobre la autora, ahora si veamos el libro en kuestión ke nos akontece y por el ke están esperando leer:

https://i0.wp.com/1.bp.blogspot.com/_mJZwf-wjwSk/R7xM2-WDd6I/AAAAAAAAAOs/tBczMJFD1Nw/s320/courtney_love.jpg

Cuando Lucía contaba con 27 años le encargaron escribir la biografía de una de las musas más problemáticas del grunge, mujer de Kurt Cobain, líder de la banda Hole, y muchas más cosas…

En resumen,  que este libro es una revisión de cómo le afectó a ella escribir la vida de Courtney en ese momento de su vida, los sentimientos que dicha mujer le levantaba conforme se iba adentrando en su vida…

La segunda parte del libro es dicha biografía, en donde se cuenta cronologicamente cada detalle de su vida, desde su familia, su pubertad, su etapa de streapper en Japón, cómo conoció a Kurt, su escalada en las listas de éxitos, y un largo y específico etc.

Kurt y Courtney, ¡aguanta esto! es un libro muy buscado por los lectores habituales de Lucía Etxebarria, y además ahora se ofrece con un nuevo ensayo (Courtney y yo. Memoria de un capítulo cerrado: 1994-2004) que aporta más datos sobre los personajes y sobre su irrupción en el panorama del rock de los 90.

Este nuevo ensayo, personalísimo y revelador, no evita la polémica sobre la muerte de Kurt ni las diferentes teorías elaboradas sobre su suicidio, y reflexiona lúcidamente sobre el papel de Courtney Love en un star-system marcado por la cirugía estética y la aceptación de unos cánones muy alejados de su rebeldía y feminismo iniciales.

Escritura directa, ágil, amena y de fácil lectura. Lucía Etxebaria entrecruza historias y anécdotas relacionadas con la vida de Kurt y Courtney y crea, finalmente, una historia tan personal como apasionante y sorprendente. La autora tiene una enorme popularidad y un público fiel. Sus obras, siempre innovadoras, de marcado estilo y muy audaces, crean opinión y polémica.

Y pues weno raza, en este libro podrán ver una apología a Courtney, pero también una crítica hacía ella también por parte de la autora en la ke dice masomenos ke perdió su ideología feminista ke tanto usaba kuando era kinderwhore en sus bandas iniciales (Babes in toyland y Hole).

Bueno, espero puedan konseguir este libro y lo lean, para ke tengan otra visión de los hechos de la vida de Kurt y Courtney, ¿va?

https://i0.wp.com/picnica.ciao.com/es/142970.jpg

Les dejo un videito de la Courtney, por si no la konocen aún.

Akí podrán verle sus senos a la Courtney ñ_ñ. De nada 😉

Sale pues, ahi se ven

Ateo!

Por cierto, hay un documental ke se llama Kurt & Courtney, en donde Nick Broomfield (el autor de dicho documental) dice ke Courtney mandó matar a Kurt. Él Fue uno de los espias ke kontrató Courtney para seguir a Kurt y por eso hizo este documental. Aunke se le kritika ke todas sus fuentas son dudosas, pero da uno ke otro dato ke pone a pensar a uno, komo el de las últimas palabras ke dijo en su karta suicida, en donde según pruebas grafológikas, esa ya no era la letra de Kurt.

https://i0.wp.com/images-eu.amazon.com/images/P/B00008IARO.02.LZZZZZZZ.jpg

Akí la primera parte:

Ora si, nos vemos luego.

Ateo!